Top 22 Tipps, um Audio-Mixe professioneller klingen zu lassen
Möchten Sie wie die Profis mischen, wissen aber nicht, wo Sie anfangen sollen? Ich kämpfte jahrelang und probierte verschiedene Techniken aus, um meine Mischungen zu verbessern. Schließlich wurde ich ein professioneller Toningenieur und musste meine Mischfähigkeiten wirklich verbessern. Heute möchte ich 22 Tipps teilen, die Ihnen helfen, auch zu professionellen Mischungen zu gelangen!
Hier sind die Top 22 Tipps, um Ihre Mixe professionell klingen zu lassen:
- Gain Staging
- Busse nutzen
- Fokus auf Breite, Tiefe & Höhe
- Fokus auf Balance
- Fokus auf Kontrast
- Serielle Komprimierung
- Parallele Komprimierung
- Bandpassfilterung
- Chirurgischer EQ auf Resonanzen
- Verwenden Sie Sättigung & Verzerrung
- Aufrechterhaltung der Low-End-Klarheit
- Schwenken Sie die Spuren entsprechend
- Stereo-Verbreiterung verwenden
- De-Ess Gesang
- Verwenden Sie Delay & Reverb für Tiefe
- Verzögerung für Verdopplung verwenden
- Korrigieren von Phasenproblemen
- Konzentrieren Sie sich auf die Hierarchie der Bedeutung in der Vereinbarung
- Automatisierung nutzen
- Verwenden Sie mehr als einen Limiter
- Referenzspuren verwenden
- Sei neutral im Loudness War
In diesem Artikel werden wir auf jeden dieser Tipps näher eingehen. Wählen Sie diejenigen aus, die für Sie herausstechen und verbessern Sie Ihre Mischungen heute!
Gain Staging
Ein guter Signalfluss ist für einen guten Mix unerlässlich, und Gain-Staging ist die Grundlage für einen guten Signalfluss.
Gain-Staging ist der Prozess, bei dem die Audioverstärkung auf ein optimales Niveau für den nächsten Prozessor in der Kette eingestellt wird.
Im Extremfall verhindert eine ordnungsgemäße Verstärkungsinszenierung Rauschen, indem sichergestellt wird, dass das Signal stark genug ist, während Überlastung / Clipping verhindert wird, indem sichergestellt wird, dass das Signal nicht zu stark ist.
Die Verwendung der richtigen Verstärkungsinszenierung ist bei dynamischer Verarbeitung wie Kompressoren und Limitern, bei denen Schwellenwerte festgelegt werden, sehr wichtig. Jetzt können wir normalerweise den Schwellenwert anpassen, um auf den Signalpegel zu reagieren. Die richtige Verstärkungsinszenierung stellt jedoch sicher, dass wir uns für solche Schwellenwerteinstellungen in einem guten Bereich befinden.
Gain-Staging sollte bei der Verwendung von Volume-Automatisierung im Auge behalten werden. Fragen Sie sich, wie sich die Anpassung der Lautstärke auf die Prozesse nach dem Fader auswirkt.
Berücksichtigen Sie außerdem die Verstärkungsinszenierung an jeder einzelnen Strecke und jedem Bus.
Aus diesem Grund ist es wichtig, eine gute Arbeitsbalance zwischen allen Spuren in einem Mix zu finden, bevor Sie zu viele Plugins einfügen. Das Ändern der Verstärkung im laufenden Betrieb kann einen großen Einfluss darauf haben, wie sich die Prozessoren / Effekte / Inserts auf den Klang auswirken!
Um mehr über die Verstärkungsinszenierung zu erfahren, schauen Sie sich mein Video an:
Busse nutzen
Ein Audiobus ist eine separate Spur oder ein Signalpfad, der verwendet wird, um einzelne Spuren / Audiosignalpfade zusammenzufassen.
Das einfachste Beispiel ist der „Mix-Bus“, zu dem schließlich alle Gleise geleitet werden. Der Mix-Bus wird schließlich an die Ausgänge gesendet.
Innerhalb des Mixes könnten wir jedoch Folgendes haben (als einige Beispiele):
- eine zweispurige Gitarre (zwei Spuren), summiert zu einem „Gitarrenbus“
- Alle Hintergrundvocals (mehrere Tracks) summiert zu einem „Background Vocals Bus“
- Alle Drum-Mikrofone (Kick, Snare, Toms, Hats, Overheads, etc. Tracks) summiert zu einem „Drum Bus“
Jede einzelne Spur könnte ihre eigene Verarbeitung haben, und dieses verarbeitete Signal würde dann zur weiteren Verarbeitung an den Bus geleitet.
Die Busverarbeitung ermöglicht es uns, weniger Inserts/Plugins zu verwenden, um den Klang zu beeinflussen.
Aber was noch wichtiger ist, es gibt ein besseres Gefühl der Kohäsion zwischen ähnlichen Elementen, da alle Spuren innerhalb des Busses von den gleichen Inserts / Plugins verarbeitet werden.
Fokus auf Breite, Tiefe & Höhe
Natürlich hören wir Klang im dreidimensionalen Raum. Eine richtige Mischung sollte auch drei Dimensionen haben:
- Breite: zu den Unterschieden zwischen dem linken und rechten Kanal und der wahrgenommenen Klangbühne vom linken nach rechten Stereofeld.
- Tiefe: die virtuelle Trennung von Elementen anhand der wahrgenommenen Distanz zum Zuhörer.
- Höhe: Der Frequenzbereich von hoch bis tief, die in der Mischung vorhanden sind.
Natürlich muss ein Mix nicht maximal breit, tief und hoch sein. Diese Dimensionen sollten jedoch immer im Hinterkopf sein, wenn wir mischen.
Die Breite wird maßgeblich durch das Schwenken einzelner Spuren und Stereoeffekte (Delay, Modulation, Reverb) beeinflusst. Doppelte Instrumente und Gesang können, wenn sie geschwenkt werden, eine bemerkenswerte Breite erzeugen.
Die Tiefe wird weitgehend von relativen Pegeln und Hall beeinflusst (insbesondere von der Hallzeit und den frühen Reflexionsparametern). EQ im Top-End spielen auchs eine Rolle in der wahrgenommenen Tiefe (heller übersetzt als näher, während stumpfer als weiter übersetzt wird).
Heigh wird maßgeblich vom Arrangement, aber auch vom EQ beeinflusst.
Fokus auf Balance
Das ist Mixing 101.
Holen Sie sich eine solide Balance zwischen den einzelnen Tracks, bevor Sie etwas anderes im Mix tun. Es ist die Grundlage für eine gute Mischung.
Ein Mentor sagte mir einmal, dass es beim Mischen zu 90% um Balance geht und 10% sich daran erinnern, dass es um Balance geht. Es gibt so viele Produktionstechniken und Mischtricks, die man beachten sollte, aber der Großteil unserer Ergebnisse kommt von einer richtigen Balance zwischen allen Elementen.
Wir erhalten nicht nur einen großartig klingenden Mix, indem wir die Balance am Anfang richtig machen, sondern wir setzen auch die Initialen Gain Staging so dass wir später nicht mit Prozessoren (Plugins / Inserts) neu ausbalancieren müssen.
Fokus auf Kontrast
Obwohl der Begriff „Mischen“ uns das Gefühl gibt, dass alles miteinander verschmilzt, ist es auch wichtig, den Kontrast zwischen den Elementen in der Mischung zu berücksichtigen.
Heben Sie die Unterschiede zwischen den Elementen hervor, um zusätzliches klangliches Interesse zu wecken.
Denken Sie darüber nach, wie Sie ähnliche Klänge unterschiedlich verarbeiten können, um eine gewisse Differenzierung zwischen ihnen zu erzielen (EQ, Panning und Effektparameteranpassungen sind alle eine Überlegung wert, um einen gewissen Kontrast zu erzeugen.
Serielle Komprimierung
Wie der Name schon sagt, ist serielle Komprimierung der Prozess, bei dem ein Signal nacheinander durch mehrere Kompressoren gesendet wird.
Die serielle Kompression ist eine fantastische Möglichkeit, mehr Kompression ohne die Nachteile der Überkompression mit einem einzigen Kompressor (Pumpen, Artefakte usw.) anzuwenden.
Die serielle Komprimierung ermöglicht es uns auch, mehr wahrgenommene Lautstärke zu erhalten, wenn wir den Dynamikbereich sanft zusammendrücken und die niedrigsten Stufen erhöhen. Dies ist eine effektive Strategie, um LUFS-Pegel im Mix-Bus zu erhöhen.
Die serielle Komprimierung könnte als zwei Kompressor-Plugins auf einer Spur, ein Kompressor auf jeder Spur und dem nachfolgenden Bus oder ein anderes Szenario eingerichtet werden, in dem ein Signalpfad zwei oder mehr Kompressoren enthält.
Ein weiterer Vorteil der seriellen Kompression ist, dass wir verschiedene Kompressortypen verwenden können, um unsere Signale unterschiedlich zu „färben“. Die verschiedenen Kompressortypen (Verstärkungsreduzierungsschaltungen) verhalten und klingen unterschiedlich, so dass ihre Verwendung in Reihe interessante Ergebnisse liefern kann, da sie dem Signal ihre klangliche Signatur verleihen.
Parallele Komprimierung
Wie der Name schon sagt, ist die parallele Kompression (auch als „New York“ oder „Manhatten“ Kompression bezeichnet) eine parallele Verarbeitungstechnik.
Eine Spur (oder mehrere Spuren) wird an einen parallelen Bus gesendet (so dass sie effektiv verdoppelt werden – die ursprünglichen Spuren werden weiterhin über den Mix-Bus ausgegeben).
Der parallele Bus wird dann stark komprimiert (hohes Verhältnis und niedriger Schwellenwert), so dass es eine massive Verstärkungsreduzierung gibt (20 dB ist ein guter Ausgangspunkt). Der Angriff und die Freisetzung werden dem Geschmack angepasst, obwohl die Dynamik weitgehend unterdrückt wird.
Der überkomprimierte Bus wird dann unter die Originalspuren gemischt, wodurch der Klang verdickt wird.
Diese Misch- / Produktionstechnik kann Schlagzeug massiv klingen lassen!
Ich habe ein Video, das detaillierter auf die parallele Verarbeitung eingeht, dass Sie Schauen Sie sich hier an:
Bandpassfilterung
Obwohl der hörbare Bereich des menschlichen Gehörs allgemein als 20 Hz bis 20.000 Hz akzeptiert wird, sind wir wirklich nicht empfindlich für die extrem hohen oder tiefen Frequenzen.
Die Low-End-Subbass-Frequenzen sind besonders knifflig, da es sich meist um Low-End-Rumble handelt. Die Hochpassfilterung solcher Frequenzen hilft, solche unharmonischen Geräusche zu reduzieren.
Darüber hinaus benötigen Low-End-Frequenzen viel mehr Energie, um gehört zu werden. Das Entfernen solcher energielastigen (aber fast nicht wahrnehmbaren) Frequenzen wird uns insgesamt mehr Spielraum im Mix geben.
Dabei geht es aber nicht nur um Hochpassfilterung.
Das sehr hohe Ende des Frequenzbereichs kann auch zu Problemen mit Überbrillanz führen, wenn zu viel los ist.
Versuchen Sie, einige Elemente im High-End niedrig zu überholen, um die Brillanz zu reduzieren, wenn die Mischung zu hell ist. Entscheiden Sie sich für besonders raue Elemente oder Elemente, die dazu gehören weiter hinten im Mix (siehe Abschnitt Tiefe).
Besser noch, betrachten Sie einen Bandpassfilter für die Quellen, die diese Tiefpass- und Hochpassfilterung erfordern.
Natürlich gibt es dafür keine festen Regeln. Nach Geschmack anpassen.
Bonus-Tipp: Versuchen Sie, einen Bandpassfilter auf dem Mix-Bus von 200 Hz bis 6.000 Hz anzubringen, um das Hören des Mixes über Telefonlautsprecher zu simulieren. Dieser Bereich ist super wichtig für die Übersetzbarkeit im Mix, also achten Sie auf BalanCE, wenn dieser Filter aktiviert ist. Nicht nur mit diesem Filter mischen. Achten Sie darauf, zwischen dem vollen Spektrum und diesem verkürzten Bereich zu wechseln.
Chirurgischer EQ auf Resonanzen
Resonanz ist in der Akustik der Aufbau bestimmter Frequenzen innerhalb einer akustischen Umgebung, typischerweise aufgrund der Abmessungen des Raumes, die den Wellenlängen einer Grundfrequenz entsprechen.
Einfach ausgedrückt erzeugen Resonanzen im Klang eine unnatürliche Verstärkung bestimmter Frequenzen.
Dies übersetzt sich direkt in Audio. Manchmal haben unsere Aufnahmen, Samples oder programmierten Klänge ziemlich unangenehme Resonanzspitzen, die den Klang je nach Frequenz matschig, kastenförmig, hart, Zischlaute oder übermäßig hell machen können.
Schmalbandstopp- / Kerbfilter (oder schwere Glockenfilterschnitte) können verwendet werden, um diese Resonanzfrequenzen chirurgisch anzuvisieren und aus dem Audio zu ziehen. Dies wirkt Wunder beim Entfernen von Resonanzfrequenzen und beim Aufräumen der Spur und des Gesamtmixes.
Verwenden Sie Sättigung & Verzerrung
Verzerrungen werden oft schlecht in digitales Audio eingewickelt. Natürlich ist es am besten, digitale Clipping-Verzerrungen zu vermeiden (außer für Spezialeffekte).
Verzerrung ist jedoch einfach jede Änderung der Wellenform zwischen einem Eingang und einem Ausgang. Diese Änderungen in der Wellenform erzeugen zusätzliche Frequenzen im Gesamtklang.
Sättigung ist eine subtile Form der Verzerrung, die angenehm klingende Obertöne hinzufügt.
Sättigung und Verzerrung sind analogen Geräten inhärent, vom Band bis zu Röhren, von Transistoren bis zu Schaltkreisen und sogar in Kabeln (bis zu einem gewissen Grad). Es ist seit Jahren Teil der aufgenommenen Musik und hat eine wunderbare Wärme, wenn es richtig verwendet wird.
Verwenden Sie also Verzerrung und Sättigung, um zu schmecken. Wir können Ergebnisse erzielen, die von subtiler Wärme bis hin zu umfassender Signalmanipulation reichen. Es ist ein Balancespiel.
Darüber hinaus haben verzerrende basslastige Quellen den Effekt, die oberen Obertöne zu verbessern und einen größeren wahrgenommenen Pegel zu bieten (unsere Ohren sind viel empfindlicher für mittlere Frequenzen als Bass- und Subbassfrequenzen).
Aufrechterhaltung der Low-End-Klarheit
Dieser Tipp knüpft an den Abschnitt über Bandpassfilterung, wo ich darauf hingewiesen habe, wie wichtig es ist, Low-End-Rauschen und Rumpeln zu eliminieren.
Die Aufrechterhaltung der Klarheit im unteren Bereich ist für die allgemeine Gesundheit der Mischung unerlässlich.
Erstens benötigt das Low-End viel Energie. Unordnung im Low-End, sei es von harmonischen Elementen wie Bassinstrumenten, Kickdrums oder Noise / Rumble, frisst Headroom und nimmt die wahrgenommene Lautstärke eines Mixes.
Klarheit im Low-End, wie in jedem anderen Frequenzbereich, ist auch ein wesentlicher Bestandteil eines guten Mixes, da es von größter Bedeutung ist, dass der Hörer die wichtigen Elemente des Songs hören kann.
Es gibt ein paar Tipps, um Low-End-Klarheit zu erhalten.
Der erste Tipp besteht darin, alle Geräusche aus dem Bass- und Subbassbereich hochzufiltern. Das bedeutet, dass wir so ziemlich alles um oder über 100 Hz HPF haben, mit Ausnahme der Basselemente (Bassgitarre, Basssynth, Kickdrum usw.).
Die nächste besteht darin, EQ zu verwenden, um die Basselemente zu „spiegeln“. Finden Sie beispielsweise die Grundfrequenz der Kickdrum und den Sweet-Spot-Frequenzbereich für das Low-End der Bassgitarre. Erhöhen Sie den Grundumfang des Kicks, während Sie den gleichen Bereich auf dem Bass schneiden. Ebenso verstärken Sie die starken Frequenzen der Bassgitarre und schneiden Sie den gleichen Bereich beim Kick.
Schließlich kann die Sidechain-Komprimierung enorm bei der Low-End-Klarheit helfen. Um bei unserem Bassgitarren- und Kick-Beispiel zu bleiben, lassen Sie den Kompressor des Basses durch den Kick seitlich verketten, so dass der Bass jedes Mal, wenn der Kick trifft, leicht geduckt wird. Dies hilft dem Kick-Punch durch den Mix, während der Bass zwischen den Kick-Attacken auf einem angemessenen Niveau gehalten wird. Verwenden Sie diese Technik subtil für die natürlichsten Ergebnisse.
Schwenken Sie die Spuren entsprechend
Das Ausbalancieren von Pegeln ist für einen großartigen Mix unerlässlich, einschließlich des Ausgleichs der Pegel zwischen dem linken und rechten Kanal in Stereomischungen.
Das Schwenken von Spuren ist eine kreative Kunst, aber es gibt ein paar Faustregeln, die Sie beachten sollten.
Schwenken Sie Bassfrequenzen in die Mitte. Der Bass ist von Natur aus omnidirektional (nicht gerichtet), so dass das Schwenken von Low-End-Informationen unausgewogen und unnatürlich klingt.
Schwenken Sie die Instrumente zu den gegenüberliegenden Seiten für die Breite.
Tun Sie Ihr Bestes, um das Gleichgewicht der Pegel zwischen dem rechten und linken Kanal während des gesamten Mixes aufrechtzuerhalten.
Stereo-Verbreiterung verwenden
In Bezug auf die Bedeutung von Panning und Stereobreite sollten wir über Stereoerweiterung diskutieren. Wie der Name schon sagt, handelt es sich um einen Prozess der Verbreiterung des Stereobildes.
Die Verbreiterung erfolgt im allgemeinen durch die Erzeugung von Unterschieden zwischen dem rechten und demEFT-Kanal-Wellenformen. Dies kann in der Produktion durch Doppelspur- und Hartschwenkelemente erfolgen und kann auf verschiedene Arten im Mix erreicht werden, einschließlich (aber nicht beschränkt auf):
- Verdopplung, hartes Schwenken auf gegenüberliegenden Seiten und Ändern des EQ
- Verdoppelung, hartes Schwenken auf gegenüberliegenden Seiten und Änderung der Tonhöhe
- Verdoppelung, hartes Schwenken auf gegenüberliegenden Seiten und Ändern von Zeit/Phase
- Verdoppelung, hartes Schwenken auf gegenüberliegenden Seiten und Ändern der Verzerrung/Sättigung
Alternativ gibt es dedizierte Stereo-Widener-Plugins (Link zum Auschecken bei Plugin Boutique) die eine Überlegung wert sind, um Ihrer Mischung zusätzliche Breite zu verleihen.
De-Ess Gesang
De-Essing ist eine Technik, die verwendet wird, um die Zischlaute oder „Esses“ eines Audiosignals (oft einer Gesangsspur) zu reduzieren.
Es gibt mehrere technische Methoden, um eine De-Essing zu erreichen, einschließlich Multiband-Kompression, Sidechain-Kompression, dynamischer EQ und mehr. Alle Techniken zielen jedoch darauf ab, den Pegel des Signals (insbesondere im Zischlautbereich um 4-6 kHz) zu reduzieren, wenn der Zischlautpegel zu hoch / hart ist.
Die Verwendung der richtigen De-Essing ist ein todsicherer Weg, um Ihre Mixe professioneller und weniger hart klingen zu lassen.
Es gibt viele dedizierte De-Esser-Plugins (Link, um sie bei Plugin Boutique zu überprüfen) Einen Besuch wert!
Verwenden Sie Delay & Reverb für Tiefe
Wie bereits erwähntist Tiefe eine der Schlüsseldimensionen in einem Mix.
Reverb ist eine der besten Methoden, um Tiefe in einem Mix zu erreichen (basierend auf der Hallzeit und den ersten Reflexionen).
Delay kann auch anfängliche Reflexionen nachahmen und einem Track ein Gefühl von Tiefe verleihen, insbesondere wenn der High-End-EQ langsam verblasst (wie es bei analogen BBD-Delays der Fall ist).
Verwenden Sie Hall und Delay für Dimensionalität (insbesondere Tiefe) in Ihren Mischungen. Experimentieren Sie mit einzelnen Track-Inserts und dedizierten Delay- und Reverb-Sends/Bussen. Nach Geschmack auftragen.
Verzögerung für Verdopplung verwenden
Stereo-Slapback-Delay mit relativ kurzen Delay-Zeiten kann einem Mix ein größeres Gefühl von Tiefe verleihen, ohne dass eine Verdoppelung erforderlich ist.
Wenn Sie ein Instrument nicht doppelt verfolgen können und sich nicht für die „Double-, Hard-Pan- und Effect“-Techniken, die oben erwähnt wurden, geben Sie der Verzögerung eine Chance.
Verzögerung kann einen Klang verdichten und ihm das Gefühl geben, sich zu verdoppeln. Versuchen Sie, die Spur auf eine Seite zu schwenken und die Verzögerung auf der anderen Seite zu haben, um die Breite und das Interesse zu erhöhen.
Korrigieren von Phasenproblemen
Phasenprobleme sind oft die stillen Killer einer ansonsten großartigen Mischung.
Wenn Sie das Gefühl haben, dass die Mischung fehlt, besonders im Low-End, könnte es Phasenprobleme geben. Phasenprobleme können durch Unordnung im Mix verschärft werden, können aber immer dann auftreten, wenn zwei oder mehr Audiosignale phasenverschoben sind.
Wenn Sie Samples schichten/stapeln, schauen Sie sich ihre Wellenformen an, eine übereinander, um zu sehen, ob die Phase konstruktiv oder dekonstruktiv übereinstimmt.
Verwenden Sie eine Phasenschalterfunktion, um die Phase eines Kanals umzudrehen. Der Mix sollte sofort schlechter klingen, wenn es eine starke Phasenkorrelation gibt. Wenn der Mix ungefähr gleich oder besser klingt, gibt es Phasenprobleme, die gelöst werden müssen.
Konzentrieren Sie sich auf die Hierarchie der Bedeutung in der Vereinbarung
Meistens ist es der Gesang oder das Lead-Instrument, das das Hauptelement des Arrangements ist. Es kann auch die Kick Drum in einigen elektronischen Musikgenres sein. Achten Sie darauf, diesem Element besondere Aufmerksamkeit zu schenken, um es zum Herzstück der Mischung zu machen.
Als nächstes betrachten Sie die unterstützenden Elemente und behandeln Sie sie als solche, indem Sie sie in der Mischung mit viel Platz gut vertreten haben. Achten Sie jedoch darauf, sie so zu mischen, dass sie nicht zu viel Konkurrenz verursachen, insbesondere mit den Bleielementen.
Was nun die Anordnung betrifft, sollten Sie erwägen, sie dynamisch zu gestalten, indem Sie bestimmte Elemente in bestimmten Abschnitten senken und erhöhen. Welcher Teil ist der Höhepunkt des Songs? Welche Teile des Songs brechen zusammen und welche bauen sich auf? Stellen Sie sich diese Fragen und mischen Sie entsprechend.
Ich diskutiere „groß anfangen und klein enden“ als Mix-Philosophie (einschließlich der Hierarchie der Elemente) in einem meiner Videos. Schaut es euch hier an:
Automatisierung nutzen
Statische Mischungen sind langweilig. Profis verwenden Automatisierung, um einen Track zum Atmen zu bringen, wobei es sich um einzelne Elemente oder ganze Abschnitte des Songs handelt.
Verwenden Sie Automatisierung, um zwischen Abschnitten zu bauen und bestimmte Abschnitte zu verbessern (der Chorus könnte beispielsweise ein oder zwei zusätzliche dB verwenden). Automatisieren Sie einzelne Elemente, um ihnen zusätzlichen Platz im größeren Kontext des Mixes zu geben.
Ich habe ein Video, in dem meine Top 11 Automatisierungstipps zum Mischen besprochen werden. Schaut es euch hier an:
Verwenden Sie mehr als einen Limiter
Dies ähnelt unserem Gespräch über Serielle Komprimierung Aber ist vielleicht noch wichtiger, wenn man die Verwendung von Limitern auf Mix- und Master-Bussen bedenkt.
Es ist im Allgemeinen besser, zwei Limiter mit 2-3 dB Spitzenverstärkungsreduzierung zu haben als einen Limiter mit 4-6 dB Spitzenverstärkungsreduzierung.
Limiter sind nicht absolut perfekt, um Audiopegel auf einen bestimmten Punkt zu begrenzen. Der Audiopegel könnte möglicherweise den Grenzwert überschreiten. Selbst wenn der Limiter das Level perfekt kappt, gibt es oft unerwünschte Artefakte und Pumpen, die dadurch entstehen.
Daher kann die Verwendung von zwei subtilen Limitern uns eine zusätzliche Sicherheitsebene geben und gleichzeitig eine sanftere Begrenzung der Gesamtmischung bieten.
Referenzspuren verwenden
Referenzspuren sind der Schlüssel. Finden Sie einen professionell gemischten Track im gleichen oder ähnlichen Genre und referenzieren Sie Ihren eigenen Mix dagegen.
Wir können uns in unserer eigenen Welt des Mixens verlieren, besonders wenn wir den gleichen Track über einen längeren Zeitraum mischen. Regelmäßige Pausen einzulegen und ein oder zwei Referenzen zu haben, mit denen wir unsere Arbeit vergleichen können, ist eine fantastische Strategie, um unsere Ergebnisse zu verbessern.
Ich habe ein Video, in dem ich Referenzmischungen genauer bespreche. Sie können es hier überprüfen:
Sei neutral im Loudness War
Es ist oft von Vorteil, während eines Konflikts neutral zu sein. Die „Loudness Wars“ sind keine Ausnahme.
Der Loudness War ist ein Trend zur Erhöhung der Audiopegel in aufgenommener Musik, was auf Kosten des Dynamikumfangs, der beschädigten Klarheit (aufgrund von Verzerrung) und der reduzierten Audiowiedergabetreue erfolgt.
Das Ziel, der Lauteste zu sein, ist nicht völlig fehlgeleitet, da Menschen natürlich lautere Musik mögen (bis zu einem gewissen Punkt). Deshalb neigen wir dazu, unsere Lieblingslieder aufzudrehen, wenn wir zuhören!
Aber dieser Wettbewerb ist es nicht unbedingt wert, gewonnen zu werden. Es ist am besten, einen starken Level zu erhalten (der beste Mastering-Level für Streaming ist ein integriertes -14 LUFS), damit unsere Mixe im Vergleich zum Standard-Mixing nicht zu leise sind. Es ist jedoch am besten, etwas Leben in der Mischung zu erhalten, indem Sie unsere Mischungen nicht überkomprimieren und verzerren, um ein paar zusätzliche dB zu verdienen.
